11 femmes pour 11 institutions

Marie Bracquemond (née Marie Anne Caroline Pasquiou-Quivoron, 1840-1916)

Peintre, graveuse et céramiste française, Marie Bracquemond est l’une des « grandes dames » de l’impressionnisme.

Bien que son nom soit moins souvent retenu parmi les pionniers de ce mouvement, cette artiste a su s’imposer par son succès. Figure originale pour son temps, Marie Bracquemond n’est pas issue d’un milieu très aisé et n’a pas reçu d’éducation artistique officielle. Pourtant, elle a pu devenir à la fois une peintre saluée par la critique au Salon, aussi bien qu’une peintre impressionniste de grande qualité.

Bien que sa carrière publique ait été interrompue par son mari en 1890 et son œuvre tombée quelque peu dans l’oubli, il est aujourd’hui possible de redécouvrir certaines de ses œuvres au Petit Palais.

George Sand (1804-1876)

Au rez-de-chaussée du musée de la Vie romantique, trois salles sont consacrées à une grande artiste, George Sand. Ces salles retracent son histoire et s’inspirent des lieux où elle a vécu, à travers ses dessins, portraits, mobilier et bijoux. Par ailleurs, le salon à son nom recrée l’ambiance de la maison d’enfance de l’écrivaine à Nohant, dans le Berry.  

À travers la figure de George Sand c’est tout le XIXe siècle qui refait surface devant nos yeux : la difficulté pour une femme d’être écrivaine, les fortes différences sociales ou encore les mariages arrangés. Bien sûr, ce que l’on retient de George Sand, ce sont surtout ses livres. Mais le musée, en présentant l’artiste à travers son environnement intime, familier, tente de nous plonger dans l’univers des histoires de Sand, de l’amour du laboureur Germain pour la belle petite Marie dans La Mare au diable, au courage de François, enfant abandonné mais décidé à prouver sa valeur dans François le Champi…

Aspirant à une société plus juste et plus égalitaire, George Sand n’hésite pas à s’imposer dans des milieux traditionnellement masculins et se caractérise par la diversité de ses combats, parfois personnel ou avec un engagement politique socialiste.

Valentine Prax (1897- 1981)

Née en Algérie, Valentine Prax débarque à Paris en 1919, tout juste majeure et après trois années d’étude aux Beaux-Arts d’Alger. C’est très vite qu’elle fait la connaissance de son voisin, le sculpteur russe Ossip Zadkine, qui deviendra un ami, un mentor artistique et finalement son époux.

Leurs destins sont ainsi profondément liés. Ossip Zadkine lui fait découvrir le Paris des artistes et le courant des avant-gardes de Montparnasse. Tandis que l’imagination de Valentine Prax la Méditerranéenne entraîne Zadkine, qui puise à son tour aux sources vives de l’antiquité gréco-latine.

Au tournant des années 1930, Valentine Prax connaît un réel succès commercial et des expositions personnelles lui sont consacrées à Paris, Londres ou encore Chicago. Puis lorsqu’arrive la guerre, elle reste à Paris pour défendre leur œuvre. Plus tard elle convainc son mari d’embarquer pour les Etats-Unis. La peinture est alors son seul secours. « Cette période de la guerre fut la meilleure pour ma production artistique », confesse-t-elle.

Lorsque Ossip Zadkine meurt en 1967, Valentine Prax continue de peindre et d’exposer, mais lui fait aussi la promesse de veiller sur son œuvre. Elle a ainsi consacré une grande part de ses forces à la création du musée Zadkine, qui ouvre finalement un an après sa mort en 1981.

Des œuvres des deux artistes y sont ainsi exposées, révélant le lien fort qui unissent leurs deux productions artistiques.

Louise Abbéma (1853-1927)

Grande figure de la vie parisienne de la Belle Epoque, l’artiste Louise Abbéma a su imposer son style très moderne.

C’est une figure contrastée, qui n’a pas accepté de se plier aux normes sociétales de son temps et ne s’est jamais mariée.

Cependant, elle tenait aussi à respecter les rôles attribués aux hommes et aux femmes de son époque. Ainsi elle adopte délibérément un style et des sujets de peinture dits « féminins ».

Elle se dit même contre les féministes et les suffragettes. Pour elle, les rôles des hommes et des femmes sont définis et cela jusque dans la peinture. Selon elle, il est acceptable pour les femmes de peindre des portraits, et particulièrement de femmes la nature et les arts décoratifs, contrairement à la peinture à visée morale telle que la peinture d’Histoire.

Connue aussi pour sa relation plus qu’amicale avec Sarah Bernhard, Louise Abbéma l’a beaucoup représentée, montrant encore une fois l’ambiguïté de son caractère entre, respect catégoriques des normes sociales dans la peinture, et transgression de ces normes dans sa vie personnelle.

Etudier une telle personnalité nous permet de mieux comprendre l'état de la société, tout comme la réalité du monde de l'art au XIXe siècle. Au musée Carnavalet, il est possible de contempler l’une de ses œuvre et tenter de comprendre le caractère de cette figure contrastée, à travers de nombreux de ses tableaux.

Pan Yuliang ( fin XIXème -1977)

L’artiste Pan Yuliang est une figure pionnière de l’art chinois de la période moderne.

Née à la fin du XIXe siècle, elle a connu la fin de la période impériale et débuté son parcours artistique dans le Shanghai cosmopolite de 1920. Elle se rend ensuite à Paris, répondant à l’impératif de modernisation des arts qui animait nombre de jeunes artistes de sa génération.

Pan Yuliang fait partie de ces artistes chinois formés en Europe, qui ont donc reçu une très forte influence de l’art français, mais dont le style emprunte aux deux cultures. Son art nous permet d’observer les phénomènes de transfert et de synthèse entre les pratiques asiatiques et européennes.

S’éloignant peu à peu des institutions, elle crée une œuvre très personnelle, centrée autour des thèmes du nu féminin, du couple et de l’enfance. Sa peinture, où la couleur joue un rôle de premier plan, fait de la femme un sujet particulièrement présent. Le nu est ainsi sans aucun conteste la thématique la plus représentative de son art qui mélange influences occidentales et tradition picturale chinoise.

Nombreux de ses nus ont été acquis par la Ville de Paris dès 1942 et aujourd’hui, la collection du musée Cernuschi permet d’illustrer la diversité des techniques utilisées par Pan Yuliang.